Kategorie: Neues - Belvedere

We become Austrian

Wed, 03 Sep 2025 14:01:44 +0200

"We become Austrian" zeigt ein Fest im Wiener Rathaus für alle, die die österreichische Staatsbürgerschaft erhalten haben. Die Künstlerin war damals eine der neuen Österreicher*innen.

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"We become Austrian" depicts a celebration at Vienna City Hall for everyone who has received Austrian citizenship. The artist was one of the new Austrians at the time.

(Source: https://www.songuelboyraz.com/we-become-austrian/video-installations/)

Schuhplattler

Wed, 03 Sep 2025 13:40:38 +0200

Songül Boyraz untersucht am Beispiel der Tradition des “Schuhplattelns” in einem kleinen oberösterreichischen Ort, rituelle Handlungen, die der Bestätigung eines kollektiven Gemeinschaftsgefühls dienen und dabei gleichzeitig einen Auschlußmechanismus generieren. Heimat bewegt sich in einem dialektischen Spannungsverhältnis: Einerseits signalisiert sie Zugehörigkeit zu einer Gruppe andererseits wird das Fremde ausgeschlossen. Aus der Perspektive einer Ethnologin dokumentiert Boyraz-Höll in einem Videomitschnitt, der in Zeitlupe läuft, das Geschehen. Die Kamera der ortsfremden Künstlerin befindet sich - im Widerspruch zu dem intendierten Ausschlußmechanismus des Rituals - in der Mitte der Tanzenden, die sich kreisförmig um sie herum bewegen. Diese Kreisbewegung, die an sich schon ein “innen” und ein “außen” konstruiert, wird durch die Präsentation des Videos, das ebenfalls kreisförmig projiziert wird, verdoppelt. Der Betrachter findet sich umringt von den Menschen, deren Rituale und Traditionen er nicht kennt, in einer klaustrophobischen Situation, die durch den Sound, der die Stampfgeräusche hervorhebt, nochmals gesteigert wird.

Text: Sönke Gau (Camera Austria 75/2001)

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Using the traditional folk dance „Schuhplatteln“ in a small village in Upper Austria, Songül Boyraz investigates rites which are used to confirm collective feelings of solidarity although at the same time they generate a mechanism of exclusion. A sense of belonging to a native place is used to oscillate in a dialectical field of tension. On the one hand she shows a sense of belonging to a group, on the other hand she makes clear that anything foreign will be excluded.

From an ethnologist’s perspective Boyraz demonstrates what happens in a slow motion videorecording. The camera of the foreign artist is situated – as if in contrast to the mechanism of exclusion which the ritual generates – in the midst of the dancers who move around her in a circle. This circular movement, generating in itself an „inside“ and an “outside“, is doubled by the presentation of the video which is also projected in a circular form. The spectator finds himself surrounded by people whose rituals and traditions remain unknown to him, as if in a claustrophobic situation which is even heightened by the sound of the stamping feet of the dancers.

Source: https://www.songuelboyraz.com/schuhplattler/video-installations

Untitled (Judith)

Mon, 18 Aug 2025 16:21:48 +0200

Untitled (Judith) thematisiert den menschlichen Körper und seine visuelle Repräsentation im Raum. Gefühle wie Angst, Klaustrophobie, Sprachlosigkeit und Instabilität entstehen und spiegeln das Erleben politischer Machtstrukturen wider.

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Untitled (Judith) explores the human body and its visual representation in space. Feelings such as fear, claustrophobia, speechlessness, and instability arise and reflect the experience of political power structures.

Bliss

Fri, 20 Jun 2025 16:08:52 +0200

The video piece Bliss explores minimalist aesthetics through generative means of production. The foundation of the work lies in one-dimensional cellular automata – a mathematically strictly determined universe where each row of pixels derives its appearance by examining the preceding row. However, both the initial state of the system and the rules themselves are arbitrary, providing room for artistic intervention.

Y-Division [ ]]

Fri, 20 Jun 2025 16:02:24 +0200

Musik: Antti Tolvi

Y-Division spielt Wiederholungen eines bestimmten melodischen Motivs in variierenden Geschwindigkeiten. Daraus entsteht eine Komposition, die harmonisch einfach und gleichzeitig rhythmisch komplex ist. Der Rhythmus der Animation folgt dem Takt der Melodie.

Christmas Piece

Fri, 20 Jun 2025 15:56:02 +0200

Das Video zeigt einen Baum, der sich angetrieben von einem Verbrennungsmotor um die eigene Achse dreht. Die Drehung wird immer schneller, bis der Motor zu rauchen beginnt. Zwei Männer versuchen, in die Handlung einzugreifen, doch der Baum scheint zu fliegen.

Footnote #03: Gold & Clouds

Fri, 20 Jun 2025 15:49:39 +0200

Die Arbeit reflektiert in meditativer Weise über das Objekt "Flugzeug". Anfangs stand das Flugzeug als Symbol für technischen Fortschritt und verkörperte die neuesten Entwicklungsstufen militärischer Technologie. Später wurde es zum Inbegriff des Jetset-Lifestyles, danach zum Instrument terroristischer Aktivitäten und schließlich zum Sinnbild für die Ausbeutung fossiler Energieträger.

Footnote #01: Sipilänmäki

Fri, 20 Jun 2025 15:32:36 +0200

Musik: Antti Tolvi

Das Video zeigt eine Ansammlung von hell erleuchteten Gewächshäusern, umhüllt von Dunkelheit. Die Filmbilder scheinen stillzustehen, nur gelegentlich sorgt ein Luftzug für Bewegung in der Vegetation.

Textile & Wood

Mon, 07 Apr 2025 14:04:03 +0200

Zeitliche und räumliche Strukturen prägen Körper und Wahrnehmung. Wie werden diese in der Erinnerung sortiert? Wie manifestieren sie sich in der Folge im Handeln und Gestalten? Diesen Themen versucht Stefan Lux (*1964, Münster; lebt und arbeitet in Wien) nachzugehen.
In dem Video “Textile & Wood“ ist die Künstlerin Elisabeth Kihlström beim Weben zu sehen. Die Betrachter*innen können ihre künstlerische Praxis mit den verschiedenen Arbeitsschritten von der Planung über die Vorbereitung bis hin zum eigentlichen Webvorgang verfolgen. Man wird Zeuge des handwerklichen Vorgangs als Synergie zwischen Intention und Körperbewegung des Menschen einerseits und seinen Werkzeugen andererseits. Zugleich ist Textile & Wood eine Studie über das Erscheinungsbild von Zeit, die sich über die gleichmäßigen rhythmischen Bewegungen der Künstlerin in das textile Gewebe einschreibt. Zeit präsentiert sich im strukturierten Gewebe als homogenes Kontinuum, im Verteilungsmuster der Astlöcher und Holzmaserung auf Boden und Webstuhl als ungleichmäßige Struktur.

Stefan Lux, 2023

Transit

Mon, 07 Apr 2025 13:44:23 +0200

Akkordeon & Kunstwerke: Ulrike Johannsen

Die bildende Künstlerin Ulrike Johannsen singt in Ihrem Atelier umgeben von ihren Skulpturen das Lied „Wenn ich mir was wünschen dürfte“ von Fritz Hollaender und begleitet sich dazu auf ihrem Akkordeon.

Der Liedtext beschreibt den Menschen als in die Welt geworfenes, ortlos im Transit befindliches Wesen, nachts einsam und melancholisch unterwegs, sehnsüchtig und ausgeschlossen aus dem sozialen Raum des Privaten. Transit thematisiert anknüpfend an dieses Lied das räumliche Konstrukt von innen und außen, privatem und öffentlichem Raum.

„…Man hat uns nicht gefragt, als wir noch kein Gesicht Ob wir leben wollten oder lieber nicht…“

„…Ich schaue in die Stuben durch Tür und Fensterglas Und ich warte und ich warte auf etwas…“

In nächtlicher Dunkelheit nähert sich die Kamera dem Atelier von der Straße heran. Dabei wechselt sie zwischen innen und außen, filmt alternierend von außen und innen durch das Fensterglas. Das Gelb der Innenbeleuchtung kontrastiert mit dem Blau der Nacht. Die Musik taucht aus den Geräuschen der Straße auf, die Kamera verweilt im Atelierraum, zeigt die auf dem Akkordeon spielenden Hände und tanzt zur Musik. Nach dieser Begegnung mit der musizierenden Künstlerin wird die Musik wieder leiser, die Kamera ist zurück auf der Straße, Menschen passieren einen Ford, Modell Transit. Der kurze Besuch im Atelier ist vorüber. Zurück auf der nächtlichen Straße stellt sich die Frage: War man wirklich im Atelier, oder wurde eine Sehnsucht zum Bild. Die Musik ist nicht mehr zu hören.

Das Lied entstand 1931 und thematisiert unter anderem die schon lange von Rassismus und Verfolgung geprägte politische Situation in Deutschland. „Wenn ich mir was wünschen dürfte“ transportiert in den Textzeilen sowie der Melodie das Lebensgefühl der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts. Die Situation des ortlosen im transitorischen befindlichen Individuums ist leider nach wie vor und in zunehmendem Maße aktuell.

Haus und Straße des Drehortes sind Architekturen des „roten Wien“ im 15. Gemeindebezirk und stammen aus derselben Zeit wie das Lied. Damals entstanden hier von der sozialdemokratischen Stadtregierung Wiens in Auftrag gegebene Architektur-Utopien. Beispielhaft der „Heimhof“, der eine Gemeinschaftsküche besaß, in der Angestellte für die Bewohnerinnen kochten, um berufstätigen Frauen die Hausarbeit zu erleichtern. Das Projekt wurde von den Nationalsozialisten funktionell aufgelöst und die sozialdemokratischen und jüdischen Bewohner*innen delogiert.

Das Video Transit entstand in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Ulrike Johannsen als Teil einer Rauminstallation und Ausstellung. Die von Ulrike Johannsen entwickelten Elemente und Skulpturen waren gleichzeitig Teile des Videosettings und der Ausstellung. Ausstellungsraum und Drehort waren identisch.

Stefan Lux, 2022

Sounds of Paper

Mon, 07 Apr 2025 13:30:48 +0200

Das Video sounds of paper entstand im Salon für Kunstbuch von Bernhard Cella. Das Video fokussiert auf die Form der Präsentation, die großflächig die Buchcover statt der Buchrücken sichtbar macht, und so eine Art Informationslandschaft entstehen lässt. Diese Landschaft wird filmisch abgetastet. Gleichzeitig werden Hände in Nahaufnahme beim Vergleichen und Ertasten der Qualitäten verschiedener Drucksorten gezeigt. Im Fokus steht die haptische Qualität des Materials, die Arbeit mit den Händen, in denen Körper und Geist zusammenwirken. Die dabei entstehenden Raschelgeräusche erzeugen die Audiospur und unterstreichen die materielle Präsenz des Papiers.

Stefan Lux, 2024

“....Die fünf Feenfinger. Alle zusammen formen die Hand. Mit den Händen zu denken, ist die wahre Bestimmung des Menschen.”

(Le Livre d’image, Jean Luc Godard, 2018)

Seagull

Mon, 07 Apr 2025 13:18:40 +0200

»In Seagull (2012) hielt der Künstler das fotografische Bild einer Möwe vor die Kamera, das aufgrund verschiedener Ablenkungen mehrfach aus dem Bildfeld rückte, um wieder manuell zentriert zu werden. Genau jene Sequenzen des Rejustierens wurden schließlich ausgewählt und montiert, um ein Bewegtbild zu schaffen, das den Eindruck einer Flugbewegung ohne Flügelschlag suggeriert. Die physische Handlung des Künstlers versetzt zunächst das statische Bild der Möwe in Bewegung. Die Videoaufzeichnung dokumentiert den performativen Akt, in dem sich der Körper des Filmemachers über die Bewegung des Fotos abzeichnet, um diese anschließend mittels Bildmontage in die Illusion einer Bewegung des im Bild Dargestellten zu überführen. Die (reale) Bewegung des Körpers des Künstlers trifft auf die (imaginierte) Bewegung der Möwe. Die dabei entstandenen unruhigen Bilder erscheinen als mediale "Fehlleistung", die aus der Konfrontation nicht nur zweier Bewegungen, sondern zweier Bewegungsmodi resultiert. Einerseits schafft Lux durch im Vorfeld festgelegte Parameter einen konzeptuellen Rahmen, innerhalb dessen seine Bewegungen ausgeführt werden, wobei gerade der Moment des Erkennens und Ausgleichens des eigenen körperlichen Versagens – das Rejustieren des Fotos – zum produktiven Moment wird und die eigentliche Arbeit teilweise konstituiert. Andererseits wird mittels der Montage eine Bewegung konstruiert, die eine als "natürlich" und "unbewusst" verstandene – jene der Möwe – imaginiert. In den bewegten Bildern erscheint dies als Durchkreuzung der "reinen" Bewegung des Künstlers und der repräsentativen der Möwe [7]. Bei Ersterer handelt es sich um eine Bewegung, die ausschließlich für die Kamera produziert wurde und außerhalb der in diesem Kontext festgelegten Parameter ohne jeden Nutzen ist. Zweitere hingegen imaginiert einen zweckorientierten Bewegungsmodus, der sowohl an dokumentarische Filmpraktiken im Kontext der Verhaltensforschung einer spezifischen Vogelart erinnert, als auch an frühe fotografische Bewegungsstudien bei Eadward Muybridge. Die Durchkreuzung erschließt sich allerdings erst im Moment der Rezeption und steht damit in Relation zum/zur Betrachter_in.«

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»The basis of those of Lux’s works discussed here derives from more or less intentionally researched images taken from the internet. For Seagull (2012) the artist held a photographic image of a seagull in front of the camera. As a result of various distractions the image repeatedly dropped out of the frame only to be manually re-centred. It was exactly the readjustment sequences that were then chosen and edited together in order to create a moving image that gave the impression of the motion of flight without any actual wing-beats. It is the physical actions of the artist that set the static image of the seagull in motion. The video itself documents the performative act in which the body of the filmmaker is copied into the movement of the photo in order to be subsequently transposed (by editing) into an illusion that imparts movement to what is depicted in the picture. The (real) movement of the artist’s body encounters the (imaginary) movement of the seagull. The resulting restless images appear to consist of technical ‘mistakes’ that are not only the result of the confrontation between two movements but rather of two different movement modi. On the one hand Lux creates a conceptual framework with preset parameters within which his movements are to be carried out. In this context it is exactly the moment of recognising and compensating for physical failures––the readjustment of the photo––that become the productive moment that, in part, constitutes the actual work. On the other hand, movement is constructed by means of editing techniques. Although imaginary, that movement is taken to be the ‘natural’ and ‘unconscious’ movement of the seagull. In the moving images this appears as the ‘thwarted fable’ of the artist’s ‘pure’ movement and the representational movement of the seagull [7]. In the first case we are dealing with motion that has been produced solely for the camera and, outside of the preset parameters of this context, is of no practical import. In contrast, the second case imagines a practically-oriented modus of movement reminiscent of documentary practices in behavioural research into specific types of bird as well as calling to mind the early movement studies carried out by photographer Eadweard Muybridge. However, this intersection can only be grasped at the moment of reception and is thus situated in relation to the viewer.«

Mediale Gesten der Erschöpfung. Zu drei Videoarbeiten von Stefan Lux

Media-Mediated Gestures of Tiredness. Three Video Works by Stefan Lux

Bettina Brunner, 2013

[7] Deleuze, Das Zeit-Bild, S.248

Display

Mon, 07 Apr 2025 13:09:32 +0200

Im Video Display entwickelt Lux ein komplexes, beinahe surreal anmutendes, performatives Zusammenspiel von bewegten, an einer Wand applizierten Gegenständen, Wandprojektionsbildern und Schattenprojektionen. Sämtliche „Akteure“ scheinen miteinander in Beziehung zu stehen: Eine schwingende Muschel etwa bewegt einen Schatten des linken Bildrandes und ein in einer kleinen Bildprojektion schwingendes Pendel scheint ein Resonanzverhältnis zur repetitiven Bewegung der Muschel zu unterhalten. Ein stabähnlicher Gegenstand wiederum versucht, eines bewegten Schattenpunktes habhaft zu werden, hinkt dessen Schwingungsvorgängen aber stets aufgrund einer gewissen Trägheit hinterher. Dergleichen Zusammenhänge scheinen subtil, doch mannigfaltig vorhanden. Das Bildgeviert zeigt eine Zone semantischer und zugleich ästhetischer Unbestimmtheit und Unübersichtlichkeit. Das Bild gibt hier jedoch nicht einfach etwas zu sehen, sondern setzt eine Suchbewegung in Gang. Dieses explorative Moment richtet sich nicht bloß auf die „handelnden“ Gegenstände, sondern auch auf deren Synthese mit den unterschiedlichen Projektionsbildern und deren Zeitlichkeit. Die oftmals asynchronen Wirkungszusammenhänge scheinen dabei alles andere als kontingent oder beliebig, sondern wirken geradezu, als ob ihnen eine zwingende, beinahe maschinische, wenn auch nonlineare Logik zugrunde läge.

David Komary

Auszug aus dem Katalogtext zur Ausstellung Equation with N unknowns von Stefan Lux und Rainer Gamsjäger

Kuratiert von David Komary

Galerie Stadtpark; Krems, 2009

Wind

Mon, 07 Apr 2025 12:20:03 +0200

Wind

darkroom

Wed, 02 Apr 2025 12:00:48 +0200

Mit darkroom vermisst Billy Roisz mehrere stockdunkle Innenräume aus verschiedenen Perspektiven und macht aus einer filmischen Dunkelkammer eine abstrakte Wunderkammer. Ein Knall durchbricht das schwarze Bild. Mit wechselnden Kamera-, Licht- und Mikrofonpositionen blickt die Künstlerin in einen Kinosaal, eine ländliche Lagerhalle und in ein Wohnhaus. Dort treiben die audiovisuellen Apparaturen aus dem off ihr Unwesen. Abstrakte Projektionen erhellen schleierhaft die nächtliche Mise-en-scène und produzieren so beim Betrachter eine gewisse Orientierungslosigkeit. Die erst kurbelt den Reiz der Sinne, ihre unzähligen Interpretationen und ästhetischen Variationen an. Befinden wir uns im Österreichischen Filmmuseum oder auf einer düsteren Showtreppe einer Vorstadtdisco? Für nur wenige Sekunden blitzen Sesselreihen auf oder Stiegenaufgänge. Dann wird der Betrachter schnurstracks und immer wieder von neuem in die Uneindeutigkeit befördert. Sehen wir einen Nussbaum draußen oder doch einen Ficus-Benjamin im Wohnzimmer? Auf das spartanische Inventar in Roisz Filmräumen sind Rastermuster geworfen, die in der Finsternis wenige Details wie etwa eine Badezimmerarmatur oder Deckenrohre preisgeben.

darkroom ist ein fulminantes Spiel, in dem optische Täuschungen von manipulierten realen Schauplätzen ununterscheidbar bleiben. Die Musiker Dieter Kovacic und Peter Kutin haben mit ihrem Soundtrack auf Basis gemischter Raumatmo dem menschenleeren Black Cube ein mysteriöses Eigenleben verschafft. Wie auch in den anderen Arbeiten von Billy Roisz ist hier die Musik untrennbar mit der Bildebene verwoben. Billy Roisz braucht in der Montage keine zusätzlichen Spezialeffekte, Footage oder in der Postproduktion ergänzte Musik um einen minimalistischen Raum maximal ambig zu choreografieren.

darkroom ist ein betörendes Labyrinth aus Bild und Ton, das die Grenzen zwischen Abstraktem und Konkreten sprengt. Das Experiment besticht mehr in seiner Zurückhaltung als ins seiner Monströsität. darkroom befördert eine unendliche Lust im Dunklen zu tappen und legt verschlungene Pfade in die Finsternis, die sich wie ein „Mulholland Drive“ des digitalen Avantgardefilms bestaunen lassen.
(Petra Erdmann)

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In darkroom, Billy Roisz surveys several pitch-black interior spaces from different perspectives and turns a cinematic darkroom into an abstract chamber of wonders. An explosion breaks through the black image. With changing camera, light, and microphone positions, the artist looks into a cinema, a rural storage building, and a residential home. The audiovisual equipment is causing trouble there, off-screen. Abstract projections cryptically illuminate the nocturnal mise-en-scène, producing a certain lack of orientation in the viewer. This stimulates the appeal of the senses, their countless interpretations and aesthetic variations. Are we in the Austrian film museum or on a suburban disco’s drab stairs leading to the stage? For just a few seconds rows of seats or stairways flash. Then the viewer is conveyed straight away into ambiguity, and then from the start, again and again. Is that a nut tree that we see outside or maybe a Ficus-Benjamin in the living room? Grid patterns are cast on the sparse inventory in Roisz’s cinematic spaces, which in the darkness divulge a few details, such as bathroom fittings or ceiling pipes.

darkroom is a fulminant game in which it is impossible to distinguish optical illusions from manipulated, real settings. The musicians Dieter Kovacic and Peter Kutin have created a mysterious life for the deserted black cube with their soundtrack based on a mixed room sound. As in the other works by Billy Roisz, the music and image plane are inseparably interwoven. Billy Roisz did not need any additional special effects in the montage, or any footage, or any added music in postproduction to choreograph a minimalist space with maximum ambiguity.

darkroom is an enchanting labyrinth of image and sound that bursts the border between abstract and concrete. The experiment captivates more in its reserve than in its monstrosity. darkroom conveys an endless desire to explore in the dark and sets engulfing paths in the gloom, that can be marveled at like a “Mullholland Drive” of the digital avant-garde.
(Petra Erdmann, Translation: Lisa Rosenblatt)

Source: https://www.sixpackfilm.com/en/catalogue/2108/

Close Your Eyes

Wed, 02 Apr 2025 11:48:45 +0200

Rhythmisch vibrierende Töne und Klopfgeräusche führen in Billy Roisz' "Close Your Eyes" vom Schwarzbild in einen mit Jalousien abgedunkelten Raum. Ein Fenster im Positiv- und Negativbild, das auf diesen Raum verweist, lässt bereits zu Beginn seine Funktion als Projektionsfläche hypnotisch, psychedelisch anmutender Bild- und Tonkompositionen erkennen.
Roisz führt gekonnt von diesem Realraum der Anfangssequenz weiter in abstrakte Schwarzweiß-Bilder aus feinen Strichen, die sich im Rhythmus der fragilen Tonspur bewegen, sich zu Strichlinien formieren, um diese Linearität aber sofort wieder zu durchbrechen. Hochfrequente Töne und Kratzgeräusche des Musikers dieb13 und grell aufflackernde Bildformationen überlagern zunehmend diese vertikalen Linien.
Ein schemenhafter Ausschnitt des Fensters führt anfangs immer wieder für einen Augenblick zurück von der Schnelligkeit der abstrakten Bildwelt in jene des privaten Raums. Von dieser wird der Betrachter, begleitet von schrillen Frequenzgeräuschen, verzerrten Bläsertönen und sanften psychedelischen Klängen, in hypnotisch farbenprächtige grafische Bildkompositionen getragen. Im trancehaften Bilderrausch manchmal erkennbar, dann erst bei wiederholter Betrachtung erschließen sich für Momente ein rosa eingefärbtes Bild einer Nilpferdhorde oder Bilder grasender Giraffen.
Gelbgraue, vibrierende Streifen münden in einem schwarzweißen Streifenmuster und stellen eine visuelle Assoziation mit einer Zebraherde her. Stakkatoartig durchbrochene Schwarzkader zeigen abschließend das Fenster und läuten das Ende des rauschhaften Reigens ein: die Rückkehr in den realen Raum.
Billy Roisz, inspiriert von den halluzinogenen Erfahrungen des Malers und Literaten Henri Michaux, gelingt ein faszinierender Trip ins Abstrakte und Absurde und an die Grenzen der eigenen Wahrnehmungsfähigkeit.
(Christa Auderlitzky)

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In Billy Roisz’s close your eyes knocking and rhythmically vibrating sounds take us from a black picture into a darkened room, its shades pulled down. At the film’s beginning a positive and negative image of a window that references this space reveals its function as a projection screen in hypnotic, almost psychedelic audiovisual compositions. Roisz skillfully takes us further, from this real space in the beginning sequence to abstract black-and-white images composed of fine lines that move in time with the fragile soundtrack, turn into dotted lines, then immediately puncture this linearity. High-frequency sounds and scratching noises by the musician dieb13 and arrangements of images that dazzlingly flare up cover these vertical lines to an ever-greater extent.

At first, a shadowy detail of the window leads back, again and again, from the fast pace of abstract images to that of the private space for brief moments. Accompanied by shrill high-pitched sounds, distorted brass instruments and gentle psychedelic noises, the viewer is lead into hypnotically colorful graphic compositions. Occasionally recognizable in a trance-like flurry of images, at second glance an image of a herd of hippopotamuses or grazing giraffes, tinted pink, reveals itself for a few seconds at a time. Vibrating yellowish-gray stripes flow into a black-and-white striped pattern, calling a herd of zebras to mind. Black frames punctuated in staccato fashion then show the window, heralding the end of the delirious dance: the return to real space.

Billy Roisz, inspired by the hallucinogenic experiences of painter, writer and poet Henri Michaux, has undertaken a fascinating trip into the abstract and absurd and to the limits of our perceptive ability.

(Christa Auderlitzky, Translation: Steve Wilder)

Source: https://www.sixpackfilm.com/en/catalogue/1790/

Chiles en Nogada

Wed, 02 Apr 2025 10:55:49 +0200

2009 ist Billy Roisz zusammen mit ihren Freunden und musikalischen Kollegen Angelica Castello, Burkhard Stangl und Dieter Kovacic nach Mexico gereist. Ausgehend von Mexico City, über Michoacán zur Halbinsel Yucatán. Entstanden ist der Film Chiles en Nogada. Ein Reisefilm.

„Chiles en Nogada“ sind ein traditionelles mexikanisches Gericht. Die Farben des Gerichts sind die Farben der mexikanischen Flagge und damit seiner Geschichte: Rot, weiß, grün und umgekehrt. Es ist das Umgekehrte, das Andere, und die Reflexion desselben, das diesen Film von Billy Roisz und ihren Musikern ausmacht und besonders macht.

Ausgehend von der Musik, die vorbereitet auf das was kommen wird, beginnt, wenn aus Linien Räume und aus Farben Welten werden, sogleich der Eintritt in die visuelle Dimension. Das Chaos des Anfangs ist der Beginn der Reise. Über das Rot zum Rosa: die Bilder brennen sich in die Netzhaut ein: Mexico D.F., Hauptstadt, und eine der größten Metropolen der Welt. Es sind diese Bilder und visuellen Erlebnisse, diese zumeist kurzen Eindrücke, primär ohne Geschichte, die das Gerüst einer jeden Reise bilden. Die Geschichte erschließt sich erst über das Wiedererkennen, Erfassen. Kontextualisieren kann der Reisende nur, was er kennt und also wieder erkennt. Der Rest ist Sammlung. Billy Roisz sammelt und erfasst – erfasst das andere mit dem ihr ganz eigenen, künstlerischen System. Sie komponiert visuell und auditiv einen neuen eigenen Zugang zu dem ihr Fremden. Diese Komposition schenkt der Vielfalt die Freiheit. Dem Einzelnen wird die Notwendigkeit der Zuordnung erlassen, ohne dabei verloren im Ausmaß der Geschichte zu sein. Es sind die Standbilder, die der Reflexion den Moment schenken, um sich dann über die Bewegung dem Kontinuum der Zeit und Geschichte erneut zuzuwenden. Aus dem urbanen Moloch geht es schließlich in das Außen. Der Himmel hängt tief über den Bergen. Die Freiheit ist ein Versprechen, das ohne die Entscheidung nicht möglich ist. Antonin Artaud und viele andere haben in Mexiko nach halluzinogenen Substanzen gesucht, um ihren Visionen Bilder zu schenken. Billy Roisz entzerrt das Bild und schafft mit einer Leichtigkeit und einer Lust an der Entscheidung den Übergang von der dritten zur vierten Dimension. Sie gibt dem Trip und der Reise einen Grund. Und Boden. Ganz einfach. Es sind die Linien und auditiven Wellen, die Zeichnungen und assoziativen Momente, die in Chiles en Nogada über die Transparenz das Andere zulassen. Transzendenz. Subjektive Wahrnehmung. Einziges Gesetz. Freiheit.

(Maike Mia Höhne)

(Reise-)Erinnerungen sind subjektiv, zumeist romantisch und unvollständig. Chiles en Nogada wählt so gesehen eine ehrlichere Darstellung des Erlebten. Auf das Atmosphärische beschränkt, vermittelt sich das Reisetagebuch in abstraktem Flimmern. Nur vereinzelt blitzen konkrete, konsequenterweise beinahe klischeehafte Aufnahmen des Reiseziels auf: Das Bunte, die Weite, die Fauna ... Zu den filigran sägenden Noisekulissen von Angélica Castelló, dieb13 und Burkhard Stangl behalten die hypnotischen Störbilder die Oberhand. Es war einmal in Mexiko.

(Diagonale 2011)

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In 2009 Billy Roisz and her friends and fellow musicians Angelica Castello, Burkhard Stangl and Dieter Kovacic took a trip to Mexico. After starting in Mexico City, they traveled through Michoacán to the peninsula of Yucatán. And the film Chiles en Nogada, about the journey, was created as a result.

"Chiles en nogada" is a traditional Mexican dish. Its colors are those of the country’s flag, and of its history: red, white, and green, and vice versa. The opposite, the Other, and its reflection is the film’s essence and what sets it apart.

On the basis of the music, which prepares us for what’s to come, entry into the visual dimension commences when lines turn into spaces and colors become entire worlds. The initial chaos is also the journey’s beginning. As they turn red and then pink, the images are seared into the spectator’s retina: Mexico, D.F., the capital and one of the world’s largest metropolises. These images and visual experiences, most of them fleeting impressions without a story to tell, represent every journey’s framework. The story is revealed through recognition and comprehension. The traveler can contextualize only what is already familiar, what he or she recognizes. The rest is gathering. Billy Roisz collects and comprehends — she comprehends the Other according to her own artistic system. Visually and acoustically, she composes a new and unique approach to what is strange to her. This composition liberates diversity. The individual is released from the necessity of making connections without becoming lost in the magnitude of the story. The still images are what give moment to reflection so that it can again turn to the continuum of time and history through movement.

They leave the urban Moloch, and the sky hangs low over the mountains. Freedom is a promise that is not possible without a decision. Antonin Artaud and a number of others have searched Mexico for hallucinogenic substances that could help them find images for their visions. Billy Roisz clarifies the image and, easily and taking pleasure in the making of a decision, passes from the third dimension to the fourth. She provides the trip and the journey with a foundation. Simple as that. The lines and auditory waves, the drawings and associative moments are what admit the Other through transparency in Chiles en Nogada. Transcendence. Subjective perception. A single law. Freedom.

(Maike Mia Höhne / Translation: Steve Wilder)

Travel memories are subjective, often romantic, and incomplete. Focusing solely on atmosphere, the travel diary Chiles en Nogada presents itself in abstract flickers. Every once in a while, there is a flash of a concrete and almost cliché image of a classic tourist destination… The hypnotic static images domineer the screen with the filigree, sawing noise landscapes by Angélica Castelló, dieb13 and Burkhard Stangl. Once upon a time in Mexico.

(Diagonale 2011)

Source: https://www.sixpackfilm.com/en/catalogue/1923/

KünstlerInnen Portraits: Christian Falsnaes

Mon, 16 Dec 2024 12:51:09 +0100

KünstlerInnen Portraits: Christian Falsnaes entstand im Rahmen des Projekts protestFORMEN

Nichts ahnende AusstellungsbesucherInnen werden Teil der Performances von Christian Falsnaes. In seiner Arbeit beschäftigt er sich mit Ritualen und Gruppenmentalität, einschließlich seiner eigenen Person und der Rolle des Künstlers. Was passiert, wenn Menschen – besonders jene, die an Rituale und Dynamiken hochgradig kodifizierter sozialer Felder wie der Kunstwelt gewöhnt sind – die Kontrolle abgeben müssen? Falsnaes setzt Vorschriften und Anweisungen ein, um die Bedeutung des individuellen Willens zu betonen und macht die Reaktionen seines Publikums zu Material für dessen eigene Selbstreflexion.

(Quelle: https://paraflows.wien/paraflows/paraflows-2021/ausstellung/christian-falsnaes)

BREA.TH.UP

Wed, 04 Dec 2024 16:23:23 +0100

BREA.TH.UP entstand im Rahmen des Projekts protestFORMEN

Beton ist weltweit das zweithäufig genutzte Material nach Wasser. Ein entscheidender Unterschied liegt darin, dass Beton nicht abfließt, versickert und verdampft, sondern der Bestand derzeit um etwa 30 Milliarden Tonnen pro Jahr wächst. Nikolaus Eckhard sieht es als Notwendigkeit die Zusammenhänge der Materialien zu begreifen, die uns umgeben, um Widerstand gegen ihre vermeintliche Allmacht leisten zu können. Dass der Baustoff Beton weiterhin als alternativlos verhandelt wird, ist für ihn eine gesellschaftliche Kurzsichtigkeit, die noch Generationen nach uns vor enorme Herausforderungen stellen wird. Als ein Werkzeug des Begreifens und des Aneignens verwendet der Künstler seinen eigenen Körper. Von einem Latexanzug geschützt, nutzte Nikolaus Eckhard für BREA.TH.UP seinen Körper als Betonschalung und verweilte stabilisiert und unbewegt zwischen dem frischen Beton und einer Stützkonstruktion während das Material aushärtete. Sauerstoff bekam er durch ein miteingegossenes Kupferrohr. Die intensive körperliche Erfahrung, in der der Abdruck entstanden ist, ist nicht lediglich eine Übertragung von Information in ein neutrales Trägermaterial, sondern ein gegenseitiger Informationstransfer. Während der Künstler sich in den Stein einschreibt, schreibt sich auch der Stein in ihn ein. Vom langsamen Wechsel zwischen ‚das Material halten‘ und ‚vom Material gehalten werden‘ bis hin zu einem Stadium, indem nicht länger unterschieden werden kann, wo der Körper endet, und der Stein beginnt.

(Quelle: https://paraflows.wien/paraflows/paraflows-2021/ausstellung/nikolaus-eck...)

Ton: Natascha Muhic

Kamera: Lisa Weber

Schnitt: Nikolaus Eckhard / Francesca Centonze

Chrisoph Weber: Schade, dass Beton nicht brennt

Wed, 04 Dec 2024 11:46:11 +0100

Chrisoph Weber: Schade, dass Beton nicht brennt entstand im Rahmen des Projekts protestFORMEN

"Schade dass Beton nicht brennt" bezieht sich auf einen gleichnamigen Song von Yok! Pocketpunk aus den späten 90er Jahren, der darin auf seine Erlebnisse beim Protest gegen einen Castortransport ins Endlager Gorleben eingeht. Er bezog sich bei seiner Titelwahl wiederum auf den gleichnamigen Dokumentarfilm von 1981, der die Auseinandersetzungen zwischen Polizei und Hausbesetzern in Berlin begleitet. Die nun gefilmte Sequenz ist ein Re-enactment der Arbeit von 2012, bei der die Schalung eines Betonkubus teilweise verbrannt wurde, um die Skulptur beim Ausschalen mit der Methode der verlorenen Form schwarz anzukokeln. Die entstandene Arbeit war aber zu ‘clean’ – so beschloss Christoph Weber, die Skulptur bei etwa 50 km/h hinten aus dem Auto auf den Asphalt zu knallen. Seine Serien, Beton zu zerbrechen oder anderweitig zu traktieren, sind das Resultat eines Protestes – eine Protestform – gegen dieses dominante Material. Es ist ein Nachvollzug der Kraft, die nötig ist, um die Übermacht der Autorität, die das Material nicht nur ausstrahlt, sondern tatsächlich repräsentiert, zu visualisieren.

(Quelle: https://paraflows.wien/paraflows/paraflows-2021/ausstellung/christoph-weber)

Veronika Schubert: Fragen Sie sich das auch?

Tue, 03 Dec 2024 16:09:42 +0100

Veronika Schubert: Fragen Sie sich das auch? entstand im Rahmen des Projekts protestFORMEN

Der von Veronika Schubert aus ihrem Zeitungsüberschriften-Archiv für die Rennbahnsiedlung ausgewählte Satz „Fragen Sie sich das auch?“ wird temporär in einem Hof der Wohnanlage mittels Schablone auf dem Boden angebracht. Er soll als Anregung dienen, sich aus dem gewohnten Trott zu lösen, ein abstraktes Kommunikationsangebot darstellen und zum Nachdenken über das Nachdenken anstoßen. Veronika Schuberts inhaltliche Schwerpunktsetzung beim Sammeln von Sätzen hat sich in den letzten Jahren von Phrasen und Floskeln hin zu Fragestellungen verlagert. Das Hinterfragen des eigenen Standpunkts, aber auch das Infragestellen von gesellschaftlichen Normen anzuregen, ist dabei ein Hauptanliegen. Zudem kann der Schriftzug auch als poetischer Kommentar gelesen werden. Oftmals werden bei Veronika Schuberts bildhaften Textcollagen sowie auch bei ihren Animationsfilmen mehrere Sätze aus unterschiedlichsten Zusammenhängen miteinander verwoben, um neue Erzählungen entstehen zu lassen. Aber auch alleinstehende Sätze tauchten in den letzten Jahren immer wieder im öffentlichen Raum auf. Bereits 2004 wurde in Linz ein erster Satz aus Schuberts Archiv auf eine Fassade übertragen und dient seither als anonymer Kommunikations-Anstoß im Stadtraum. (Und was machst du so?, AFO Architekturforum Oberösterreich, Linz, 2004).

Claudia Märzendorfer: Still of the Night

Tue, 03 Dec 2024 16:06:48 +0100

Claudia Märzendorfer: Still of the Night entstand im Rahmen des Projekts protestFORMEN

Musik entwickelt sich in der Dimension der Zeit. Flüchtigkeit und Vergänglichkeit sind zentrale Themen in Claudia Märzendorfers Skulpturen aus Eis und ihren Videos über Instrumentenzerstörungen.
Als radikales Statement wurden performative Klavierzerstörungen schon oft in der Kunstgeschichte vorgenommen. Wenn Claudia Märzendorfer einen Flügel zerlegt, geht sie dabei weniger brachial, als ganz konzentriert vor. In der filmischen Dokumentation macht sie den individuellen Nachhall des Musikinstruments sicht- und hörbar und zeigt, wie aus einem komplexen Instrument eine Ansammlung von Einzelteilen wird. In Still of the Night (2019) schlägt Märzendorfer ein weiteres Kapitel aus der Geschichte der Instrumentenzerstörung auf und verhandelt ein (pop-)kulturell und künstlerisch ganz anders aufgeladenes Musikinstrument: die E-Gitarre. Sie verweist auf die bühnenwirksame, männlich-brachiale Geste ihrer Destruktion. Für eine Neuinterpretation von Still of the Night bringt die Künstlerin die E-Gitarren in den öffentlichen Raum, an einen Ort, der auch für die Popkultur Wiens nicht unbedeutend ist: die Rennbahnsiedlung. (Text OK Linz, adaptiert)

KünstlerInnen Portraits: Andreas Fogarasi

Tue, 03 Dec 2024 15:25:17 +0100

KünstlerInnen Portraits: Andreas Fogarasi entstand im Rahmen des Projekts protestFORMEN

Für die Fassade des Olof Palme Hofs hat Andreas Fogarasi einen weithin sichtbaren Leuchtschriftzug entworfen, der die frühere Bezeichnung des Kulturzentrums mit Veranstaltungssaal, Volkshochschule, Bücherei und Bezirksmuseum wieder aufnimmt und sein utopisch-integratives Potential in die Gegenwart strahlen lässt. Er holt die progressive Idee von egalitärer Begegnung in die Gegenwart, und beleuchtet die Fassade mit seiner typografisch-skulpturalen Setzung. Andreas Fogarasi hatte sich für sein Projekt “Kultur und Freizeit”, das 2007 auf der Biennale di Venezia mit dem goldenen Löwen ausgezeichnet wurde, intensiv mit der Geschichte, Gegenwart und urbanen Präsenz von sozialistischen Kulturhäusern in Budapest beschäftigt. Damals umfasste seine Recherche auch vergleichbare Orte in Wien – Volksbildungshäuser, Volkshochschulen und Häuser der Begegnung. Das ehemalige “Haus der Begegnung” in der Per Albin Hansson Siedlung, heute “Veranstaltungszentrum PAHO”, wurde 1972-78 als Teil des modernistisch-monumentalen Olof Palme Hofs von den Architekten Carl Auböck und Wilhelm Kleyhons geplant, und bildet – direkt an der 2017 eröffneten U1 Station Alaudagasse – die Schnittstelle zwischen der großzügig durchgrünten Wohnbebauung und der Einkaufspassage Hanssonzentrum. Andreas Fogarasi hat für die markante Fassade des großen Saales eine Neuinterpretation des schon lange demontierten Schriftzugs “HAUS DER BEGEGNUNG” entworfen, die aus weissen LED Linien gesetzt einen perspektivischen Effekt erzeugt, und die auch heute relevante verbindende Vision des Ortes nach aussen kommuniziert.

(Quelle: https://paraflows.wien/paraflows/paraflows-2021/ausstellung/andreas-fogarasi)

KünstlerInnen Portraits: Ulrike Truger

Tue, 03 Dec 2024 15:16:23 +0100

KünstlerInnen Portraits: Ulrike Truger entstand im Rahmen des Projekts protestFORMEN

Trugers Tabubruch, gerade als Frau, liegt in ihrer Hartnäckigkeit, es geht nicht um momenthaftes Aufmerksamkeitshaschen – ein solches hat Spektakel-Charakter und ist damit systemintegrierbar. Die Bildhauerin zielt mittels Ästhetik ihrer Werke auf permanente Präsenz, will sich den Strukturen nicht nur einschreiben, sondern diese auch selbst bestimmen – und das bedeutet nicht weniger, als einen Machtanspruch zu stellen: jenen der ästhetischen Definitionsmacht. Sich künstlerisch und gesellschaftspolitisch auszusetzen und gegenzuhalten erfordert Kraft und Energie, besonders wenn der Widerstand ein dauerhafter ist – und er kennzeichnet Trugers Werk. Er endet nicht mit der Fertigstellung eines Objekts, sondern ist zum Bestandteil ihrer Arbeit, des Abarbeitens an der Strukturen des Steins und der Gesellschaft geworden. Denken nicht auf Zuruf, künstlerisches Handeln nicht auf Auftrag, sondern sich der systematischen Kontrolle widersetzen in der eigenständigen Aneignung von Thema und Raum. (Text: Evelyn Schalk aus MONUMENTAL BEWEGT, 2015)

Ramiro Wong: Making a note, getting acquainted with

Tue, 03 Dec 2024 15:09:01 +0100

Ramiro Wong: Making a note, getting acquainted with entstand im Rahmen des Projekts protestFORMEN

Projekte im öffentlichen Raum und ortsspezifische Kunstprojekte werden meist in Auftrag gegeben, sobald die Umsetzung des architektonischen Entwurfs abgeschlossen ist. Dies drängt die KünstlerInnen und deren Arbeit wiederum in einen ambivalenten Zustand zwischen Ornament und Abstraktion, in dem sie einerseits einen Vertrag erfüllen, und gleichzeitig versuchen die Sprache ihrer künstlerischen Praxis dem Raum anzupassen, in dem die Werke präsentiert werden. In einem der größten Wohnkomplexe Wiens scheint es so, als hätten KünstlerInnen versucht einen Dialog weiterzuführen, den ihr Gegenüber bereits verlassen hat. Kunstwerke sind verwahrlost, und es lässt sich die Frage stellen, welche Bedeutung die besagten Kunstwerke und deren Dialog mit den Strukturen noch haben, die das Öffentliche zum Urbanen machen. Durch eine Intervention an den Arbeiten von Hans Muhr (Vegetative Skulptur), Karl Anton Wolf (Dynamik I) und Josef Schagerl Junior (Heliakos) versucht Ramiro Wong Werke, die scheinbar durch ihre eigene Präsenz unsichtbar gemacht wurden wieder „ins Licht zu rücken“. Um die Werke sichtbar zu werden, werden sie unsichtbar gemacht. Gleichzeitig wird versucht, die Intention der Originalwerke zu verstehen, mit einzubeziehen und die Nuancen und Komplexitäten, die in ihrer stillen Natur liegen, wiederzuentdecken.

(Quelle: https://paraflows.wien/paraflows/paraflows-2021/ausstellung/ramiro-wong)