Belvedere

The Seven Step Verse

Fri, 10 Apr 2026 19:13:30 +0200

Das dokumentarische VR-360°-Werk untersucht in sieben Szenarien die Beziehung zwischen Raum und Körper in Singapurs ikonischen modernistischen Einkaufszentren. „The Seven Step Verse“ ist inspiriert vom chinesischen Dichter Cao Zhi, der glaubte, dass ein Gedicht in sieben Versen Witz, Schnelligkeit und Kreativität zeigt. Die Darsteller*innen besetzen die Einkaufszentren, eignen sich Kleidung und Gesten an und rezitieren Texte, während sie vorübergehen. So verweisen sie auf die zugrunde liegenden ideologischen und sozialen Hierarchien.

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The documentary VR 360° work explores the relationship between space and body in Singapore's iconic modernist shopping malls through seven scenarios. "The Seven Step Verse" is inspired by the Chinese poet Cao Zhi, who believed that a poem in seven verses demonstrates wit, quickness and creativity. The performers occupy the malls, adopting clothing and gestures and reciting texts as they move about, thus referencing the underlying ideological and social hierarchies.

Berg

Fri, 10 Apr 2026 18:52:29 +0200

Während des Festivals der Regionen in Oberösterreich 2015 fertigte eine Gruppe von Künstler*innen ein Holzmodell eines Berges an, das über einen See transportiert wurde und eine zehntägige Reise unternahm. Dieses schwimmende Fahrzeug wurde zu einer Plattform für den kulturellen Austausch und bot Musiker*innen, Schriftsteller*innen und bildenden Künstler*innen die Möglichkeit zur Zusammenarbeit. Der Film nutzt diese Erfahrung, um ein hypnotisches und bewegendes visuelles Gedicht zu schaffen.

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During the 2015 Festival of Regions in Upper Austria, a group of artists created a wooden model of a mountain which was transported across a lake and embarked on a ten-day journey. This floating vessel became a platform for cultural exchange offering musicians, writers and visual artists the opportunity to collaborate. The film uses this experience to create a hypnotic and moving visual poem.

Ghost Hits Wall

Fri, 10 Apr 2026 18:46:29 +0200

"Ghost Hits Wall" ist Teil eines kunstbasierten Forschungsprojekts über chinesische Geisterstädte mit dem Titel "Of Haunted Spaces" (2016-19). Das Filmmaterial wurde in einer Kombination aus Schauspiel und Dokumentation gedreht, um den phantasmatischen Aspekt des globalen Kapitalismus aufzuzeigen. In China führt die Notwendigkeit, das Wirtschaftswachstum durch Überproduktion aufrechtzuerhalten und anzukurbeln, dazu, dass mehr Städte als eigentlich benötigt gebaut werden. Untersucht wird, wie der globale Kapitalismus die Lebensbedingungen unserer Zeit beeinflusst und heimsucht. Städtische Räume, die einst in der kollektiven Fantasie eine grandiose Vision zur Steigerung des Wohlstands waren, sind heute erschöpfte und leere Orte.

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"Ghost Hits Wall" is part of an art-based research project on Chinese ghost cities entitled "Of Haunted Spaces" (2016-19). The footage was filmed using a combination of drama and documentary techniques to highlight the phantasmatic aspect of global capitalism. In China, the need to maintain and stimulate economic growth through overproduction leads to the construction of more cities than are actually required. The project examines how global capitalism influences and haunts the living conditions of our time. Urban spaces that were once a grand vision in the collective imagination for increasing prosperity are now exhausted and empty places.

The Backside of God

Fri, 10 Apr 2026 18:23:29 +0200

"The Backside of God" ist ein experimenteller Dokumentarfilm, der Archivaufnahmen, digitale Glitches, chemische Abstraktion und direkte Animation nutzt, um die Feinheiten von Hogan Seidels Beziehung zu ihrer familiären, religiösen und queeren Identität zu erforschen.

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"The Backside of God" is an experimental documentary that uses archival footage, digital glitches, chemical abstraction and direct animation to explore the intricacies of Hogan Seidel's relationship to their familial, religious and queer identity.

In The Streets Of June

Fri, 10 Apr 2026 18:08:39 +0200

„In the Streets of June“ fängt die lebhaften Widersprüche einer Seattle Pride Parade ein: ein Kaleidoskop aus Freude und Widerstand, gebrochen und neu gerahmt durch Mehrfachbelichtungen. Die vielschichtigen Bilder des Films verschmelzen die dynamische Trotzreaktion der Parade mit der imposanten Präsenz der Polizeiketten, deren Schatten sich über die glitzernden Straßen legen.

Szenen von Tänzer*innen und Transparenten verschmelzen miteinander, überlagern sich mit scharfen Blitzen von Schutzausrüstung und erzeugen so ein eindringliches Wechselspiel zwischen Feier und Überwachung. Die Kamera verweilt auf flüchtigen Momenten, während die Last unsichtbarer Macht allgegenwärtig ist.

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Layered in the grain of Super 8, in the streets of june captures the vivid contradictions of a Seattle Pride parade: a kaleidoscope of joy and resistance, fractured and reframed through layers of multiple exposure. The film's textured imagery merges the vibrant defiance of the parade with the imposing presence of police lines, their shadows cast across the glitter-strewn streets.

Scenes of dancers and banners dissolve into one another, overlapping with sharp flashes of riot gear, creating a haunting interplay between celebration and surveillance. The camera lingers on fleeting moments while the weight of unseen power hovers, ever present.

Genital Reveal Party

Fri, 10 Apr 2026 17:59:27 +0200

Eine Auseinandersetzung mit Geschlechterbinarität, Gewalt und Klimakatastrophen. Anhand von Found Footage stellt dieser 3D-Film Verbindungen zwischen zahlreichen Unterdrückungsstrukturen her, die mit Geschlechter-Essenzialismus zusammenhängen.

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An exploration of gender binarity, violence and climate disasters. Using found footage, this 3D film establishes connections between numerous structures of oppression related to gender essentialism.

Gab

Fri, 10 Apr 2026 17:54:51 +0200

Hogan Seidel setzt in diesem Werk die Erkundung der Natur zusammen mit bedeutenden queeren Personen in ihrem Leben fort. Der Film wurde zusammen mit Gabby Follett in verschiedenen Wäldern und Gärten in Seattle und Vancouver gedreht und bedient sich komplexer visueller Überlagerungen, Biofeedback und handbearbeitetem Film, um Themen der queeren Ökologie zu ergründen. Das Werk zelebriert die Schönheit nicht-hierarchischer, nicht-binärer und nicht-anthropozentrischer Arten, Queerness in und als Teil der Natur zu erleben.

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In this work, Hogan Seidel continues their exploration of nature alongside significant queer individuals in their life. Filmed with Gabby Follett in various forests and gardens in Seattle and Vancouver, the film employs complex visual overlays, biofeedback and hand-edited film to explore themes of queer ecology. The work celebrates the beauty of non-hierarchical, non-binary, and non-anthropocentric ways of experiencing queerness in and as part of nature.

Comuna trece

Fri, 10 Apr 2026 17:19:35 +0200

Der Künstler rekonstruiert Orte des Stadtteils "Comuna trece" von Medellín in Kolumbien und den Ausbau der dortigen Freiluftrolltreppe, Seil- und U-Bahn. Die Videoarbeit wurde mit einer Drohne und einer Mini-Kamera aufgenommen und greift das Prinzip eines Rorschachtests auf, um mittels einer symmetrischen Spiegelung die Fantasie anzuregen und Assoziationen hervorzurufen. Die gewohnte Deutung wird dadurch unterbrochen und die Betrachter*innen geraten in die Lage, Strukturen und Oberflächen neu und unvoreingenommen sehen zu können.

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The artist reconstructs locations in the "Comuna trece" district of Medellín, Colombia, and the expansion of its open-air escalator, cable car and subway system. The video work, filmed with a drone and a miniature camera, employs the principle of a Rorschach test using symmetrical reflection to stimulate the imagination and evoke associations. This disrupts conventional interpretations allowing viewers to perceive structures and surfaces in a new and unbiased way.

Safe Space

Fri, 10 Apr 2026 17:12:13 +0200

Die Arbeit setzt sich aus unzähligen YouTube-Videos von Ballroom-Veranstaltungen der frühen 1990er-Jahre zusammen. Die Szene bietet Darsteller*innen einen sicheren Raum, um verschiedene Formen des Geschlechtsausdrucks auszuleben. Seit Jahrzehnten beeinflusst die Ballroom-Community die Popkultur und ihr Vokabular hat Eingang in den allgemeinen Sprachgebrauch gefunden. "Safe Space" wird von KI-generierten Stimmen erzählt, die zeitgenössische Erfahrungen und aus dem Internet stammende Aussagen von LGBTQ+-Flüchtlingen rezitieren. Das Zusammenspiel von Bild und Ton versucht, sowohl die Notlage einer Minderheit innerhalb einer Minderheit als auch die kreative Widerstandsfähigkeit und das Gemeinschaftsgefühl, das aus diesen Erfahrungen entsteht, darzustellen.

Quelle: https://mirelleborra.com/safe-space

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This work is composed of countless YouTube videos of ballroom events from the early 1990s. The scene offers performers a safe space to explore various forms of gender expression. For decades, the ballroom community has influenced pop culture and its vocabulary has entered common parlance. "Safe Space" is narrated by AI-generated voices that recite contemporary experiences and statements from LGBTQ+ refugees sourced from the internet. The interplay of image and sound attempts to depict both the plight of a minority within a minority and the creative resilience and sense of community that arise from these experiences.

Source: https://mirelleborra.com/safe-space

Sei que Tudo é Memória

Fri, 10 Apr 2026 16:11:48 +0200

Der Dokumentarfilm, der 2020/21 während der Pandemie gedreht wurde, taucht in die Erinnerungen der Künstlerin und ihrer Eltern Paulo und Arlete ein, die 2017 bzw. 2019 verstorben sind. Ausgehend von Familienporträts vollzieht die Filmemacherin einen Prozess der Trauer und der Lebensbejahung, kombiniert mit etwas Fiktion, wie sie für Erinnerungen an diejenigen, die nicht mehr unter uns sind, typisch ist. Es ist ein Film über das Festhalten, den Lauf der Zeit und die Natur der Bilder, die wir bewahren und produzieren. Es ist eine Art, dasjenige festzuhalten, was geblieben ist, um es schließlich loslassen zu können.

Quelle: www.oliveiranathalia.com

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Filmed in 2020/21 during the pandemic, the documentary delves into the memories of the artist and her parents, Paulo and Arlete, who passed away in 2017 and 2019, respectively. Starting with family portraits, the filmmaker traces a process of mourning and affirming life combined with a touch of fiction typical of memories of those no longer with us. It is a film about holding on, the passage of time and the nature of the images we preserve and produce. It is a way of holding onto what remains in order to eventually let it go.

Source: www.oliveiranathalia.com

Rabbitism

Fri, 10 Apr 2026 13:53:18 +0200

… das Ziel im Rücken, rückversichernd, vorausschauend nachschauend, auf Gegenverkehr, Weggabelungen, Straßennamen und auf die Unversehrtheit seiner Last achtend, bemüht sich ein Mensch, andeutungsweise versteckt hinter einer schnell geschnittenen weißen Hasenmaske, eine überdimensionale Möhre in seinen Bau zu bekommen. Von Anfang an entspinnt sich ein kurioses Wechselspiel von Hasenmensch und Möhrensack: der rückwärts laufende Hase, minimalistisch inszenierte Kurzgeschichte über, ja über was eigentlich?

Wer Roland Maurmair kennt, weiß, dass es ihm oft genug darum geht, Sprachbilder und Bildsprachen zu zerlegen, die Metaphorik mit ihrer Unmöglichkeit zu konfrontieren, haltbare Aussagen oder Zeichensprachen zu entwickeln. Er zeigt jene immer wieder genutzte und darum nicht klüger werdende Haltlosigkeit der Sprache auf, unterläuft sie mit Bildern, mit zeichnerischen Kleinodien und beweist damit die Aussagenstärke des Bildes, das nicht mit der Attitüde der Scheinschwangerschaft kommender Wichtigkeit daherkommt. Es ist die Friedfertigkeit der Person Roland Maurmair, die die Kraft gibt, eben nicht draufzuhauen, sondern draufzuschauen. Er zerlegt die Unbedachtheit des Alltags und institutionellen Hochmutes in bedenkenswerte Details, leistet im Kleinen einen radikalen Umbau des sehenden Denkens. Irgendwann hieß es chaostheoretisch, dass ein leichter Flügelschlag eines Schmetterlings im Amazonasgebiet durch positive Verstärkungen zum Wirbelsturm über dem Nordatlantik führen könnte. Nun, erlebt haben wir es noch nicht, aber denkbar ist es, dass Roland Maurmair solche leichten Flügelschläge in Tirol oder Wien erzeugt. Wem dann die Maske wegfliegt, weiß ich nicht.

Ach ja, die Maske, der Mensch, die Möhre und Wien. Der Mensch, maskiert als Hase und mit einer Last versehen, die ihm Mühe bereitet, verlässt das Feld- und Waldareal, durchstreift in einer gezielten Annäherung die vorstädtischen Regionen, Ecken, Engpässe, vermeidet Zusammenstöße mit Automasken des Menschen, und überlebt. Er schleppt sich und seine Aufgabe vom Land in die Stadt, von der Wiese auf das Kopfsteinpflaster, vom namenlosen Gelände zur namentlichen Adresse: 10. Bezirk, Hasengasse. Das Register aus Zahl, Topologie und Namen wirkt dümmlich, lächerlich gegenüber der namenlosen Herkunft. Tierische Freude kommt auch nicht auf. Der Menschhase, voll seinem unheimlichen Auftrag gewidmet, weiß, wohin er muss, denn das Wort, das Versprechen der Adresse ist zwingend. Wo Hasengasse draufsteht, dort lass dich, Hase, nieder. Der Mensch versteht sich auf falsche Etiketten, auf etikettierte Fälschung. Und hier arbeitet das Erzählspiel mit Zeilensprüngen. Weder Mensch noch Hasenmaske, der merkwürdige Sack und eine Möhre, die karge Straße und der Straßenname passen so richtig zusammen.

Man wartet auf die Rückkehr aus dem Hauseingang, auf den Rücken, hinter dem der Möhrensack wieder aus der Namensfalle herausgezogen wird. Nichts geschieht. Nach Sekunden merkt man, dass es diesem Kleinod gelungen ist, dass ich als Betrachter dem Weg des Hasen nachsinne, den Wegen des Menschen nachsinne, der mit so viel vermeintlich täuschenden Ähnlichkeiten sich blind tapeziert, wo es weder die Ähnlichkeiten noch die Täuschungen wirklich gibt. Denn wir produzieren Unpassendes. Und Roland Maurmair ist der Entzauberer, der ohne Las Vegas-Show dem Denken wieder Spielräume gibt. Was wir daraus machen, ist unsere Sache … nur schmunzeln sollte man dabei, über sich, über andere, auch Lachen über so viele Lebensdetails, die wir schöngeredet, d.h. symbolisch verklärt haben. Es ist diese leise Selbstironie, die durch seine Arbeiten entsteht, ohne Zeigefinger, ohne Boshaftigkeit, sondern mit der Sensibilität und Klarheit und mit dem Mut, auch rückwärts vorwärts zu gehen, denn wir wissen nie, was kommt, aber sollten im Auge behalten, was wir mitnehmen.

Text: Manfred Faßler

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With his goal at his back, reassured, looking ahead, watching for oncoming traffic, forks in the road, street names and the integrity of his load, a person, subtly concealed behind a quickly sketched white rabbit mask, tries to get an oversized carrot into his burrow. From the very beginning a curious interplay unfolds between the rabbit-man and the carrot-sack: the backward-running rabbit, a minimalist short story about – well, about what exactly?

Anyone familiar with Roland Maurmair knows that he often dissects linguistic and visual language, confronts metaphor with its inherent impossibility of developing lasting statements or symbolic languages. He exposes the oft-used and therefore ultimately unwise vulnerability of language, undermines it with images, with graphic gems and thus demonstrates the power of the image which doesn't come across with the air of a phantom pregnancy of impending importance. It is Roland Maurmair's peaceful nature that gives him the strength not to attack but to observe. He dissects the thoughtlessness of everyday life and institutional arrogance into noteworthy details, effecting a radical transformation of insightful thinking on a small scale. At one time, chaos theory claimed that a gentle flap of a butterfly's wings in the Amazon could, through positive reinforcement, lead to a hurricane over the North Atlantic. Well, we haven't experienced that yet but it's conceivable that Roland Maurmair could generate such gentle flaps of wings in Tyrol or Vienna. I don't know whose mask would then fly off.

Ah yes, the mask, the human, the carrot, and Vienna. The human, masked as a hare and burdened with a troublesome task, leaves the fields and woods, traversing the suburban regions, corners, and bottlenecks with a deliberate approach, avoiding collisions with human-masked cars, and survives. He drags himself and his task from the countryside to the city, from the meadow to the cobblestones, from the nameless grounds to the named address: 10th district, Hasengasse. The register of number, topography and name seems foolish, ridiculous compared to the nameless origin. No animalistic joy arises either. The human-hare, fully devoted to his uncanny mission, knows where he must go, for the word, the promise of the address, is compelling. Where Hasengasse is written, there settle down, hare. Humans understand false labels, labeled forgeries. And here the narrative game employs line breaks. Neither the person nor the rabbit mask, the strange sack and a carrot, the barren street and the street name don't quite fit together.

You wait for the return from the doorway, for the back behind which the carrot sack will be pulled out of the name trap. Nothing happens. After a few seconds, you realize that this little gem has succeeded in making me, as the viewer, reflect on the path of the rabbit, on the paths of humankind, which blindly wallpapers itself with so many supposedly deceptive similarities where neither the similarities nor the deceptions truly exist. Because we produce what doesn't fit. And Roland Maurmair is the disenchanter who, without a Las Vegas show, gives thinking room to maneuver again. What we make of it is up to us… but we should smile at it, at ourselves, at others, even laugh at so many details of life that we have glossed over, that is, symbolically glorified. It is this quiet self-irony that arises from his work, without finger-wagging, without malice but with the sensitivity and clarity and with the courage to move forward even backward because we never know what's coming but we should keep in mind what we take with us.

Text: Manfred Faßler

Brief an Herrn Baum

Fri, 10 Apr 2026 13:50:49 +0200

In einem imaginären Brief bedankt sich der Künstler in Demut bei einem Baum für dessen Dienste der Menschheit gegenüber. Wehmütig betont er, dass der Wert von Bäumen nur selten vollständig erkannt wird - und wenn überhaupt, dann erst nach dem Fällen in Form von Papier, Tischen, Stühlen und Häusern - und ihre prachtvolle Blüte in der Hektik des Alltags keine hinreichende Wertschätzung erfährt.

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In an imaginary letter, the artist humbly thanks a tree for its service to humanity. He wistfully emphasizes that the value of trees is rarely fully recognized and if at all, then only after they have been felled into the form of paper, tables, chairs and houses – and that their magnificent blossoms receive insufficient appreciation amidst the hustle and bustle of everyday life.

Donau, Stromkilometer 1943,9

Mon, 01 Dec 2025 14:41:04 +0100

In der Dämmerung eines Augustabends wird am Ufer der Donau eine Reihe von Objekten vorgeführt. Die Choreografin und Tänzerin Andrea Gunnlaugsdóttir hält und bewegt die abstrakten weißen Skulpturen vor der Kamera, um das letzte Licht einzufangen, das sich kurz nach Sonnenuntergang im Himmel und im Wasser spiegelt. Die Objekte sind dreidimensionale, gebogene und gefaltete Projektionsflächen, die das Licht reflektieren oder gelegentlich den Schatten der Performerin zeigen. Die Weiden am Fluss bilden den Hintergrund.

Der Film ist der dritte Teil einer Trilogie, die sich auf unterschiedliche Weise mit Licht, Wahrnehmung, Abstraktion, Architektur und Landschaft auseinandersetzt - die ersten beiden Arbeiten dieser Reihe sind Schnitt A-A’, 2012 und The Achromatic Island, 2010.

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At dusk on an August evening a series of objects are presented on the banks of the Danube. Choreographer and dancer Andrea Gunnlaugsdóttir holds and moves the abstract white sculptures in front of the camera to capture the last light reflected in the sky and water shortly after sunset. The objects are three-dimensional, curved and folded projection surfaces that reflect the light or occasionally show the performer's shadow. The willows by the river form the background.

The film is the third part of a trilogy that deals in different ways with light, perception, abstraction, architecture and landscape - the first two works in this series are Schnitt A-A', 2012, and The Achromatic Island, 2010.

Schnitt A-A'

Fri, 28 Nov 2025 15:21:12 +0100

Die Hauptrolle in Schnitt A-A’ spielt die Architektur des Open-Air-Kinos in der Slowakischen Nationalgalerie, das in den 1960er Jahren entworfen wurde. Ein architektonischer Projektor beleuchtet die gemauerte Filmwand in der Mitte des Raumes. Aber es gibt weder einen Film noch ein Publikum. Die zahlreichen und vielfältigen Perspektiven, Oberflächen und Materialien im Raum stehen im Fokus der Kamera.
Der Film beginnt außerhalb der perforierten Backsteinmauer, die das Kino vom öffentlichen Raum trennt. Die Mauer gewährt Einblicke in den Raum, trennt ihn von der Stadt und macht den Projektionsraum mehrdeutig. Der Raum wird sichtbar, bleibt aber unzugänglich. Typisch für seine Umgebung und seine Zeit, erinnert er auch an eine andere Klimazone, eine andere Moderne an einem weit entfernten Ort.
Im Inneren geht die Kamera Schritt für Schritt mehr auf die Details des Raumes und die aufwendigen Oberflächen ein und offenbart den performativen und grafischen Charakter der Architektur.

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The leading role in Schnitt A-A’ is played by the architecture of the open-air cinema in the Slovak National Gallery, conceived in the 1960s. An architectural projector illuminates the brick-built film screen in the middle of the space. But there is no film and no audience. The numerous and varied perspectives, surfaces and materials in the space are the focus of the camera.
The film begins outside the perforated brick wall, which separates the cinema from public space. The wall affords glimpses into the space, divides it from the city and renders the projection space ambiguous. The space becomes visible, yet remains inaccessible. Typical for its area and its time, it reminds one also of a different climatic zone, a different modern age in a faraway place.
Once inside the camera step by step goes more into the details of the space and the elaborate surfaces, revealing the performative and graphic character of the architecture.

We become Austrian

Wed, 03 Sep 2025 14:01:44 +0200

"We become Austrian" zeigt ein Fest im Wiener Rathaus für alle, die die österreichische Staatsbürgerschaft erhalten haben. Die Künstlerin war damals eine der neuen Österreicher*innen.

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"We become Austrian" depicts a celebration at Vienna City Hall for everyone who has received Austrian citizenship. The artist was one of the new Austrians at the time.

(Source: https://www.songuelboyraz.com/we-become-austrian/video-installations/)

Schuhplattler

Wed, 03 Sep 2025 13:40:38 +0200

Songül Boyraz untersucht am Beispiel der Tradition des “Schuhplattelns” in einem kleinen oberösterreichischen Ort, rituelle Handlungen, die der Bestätigung eines kollektiven Gemeinschaftsgefühls dienen und dabei gleichzeitig einen Auschlußmechanismus generieren. Heimat bewegt sich in einem dialektischen Spannungsverhältnis: Einerseits signalisiert sie Zugehörigkeit zu einer Gruppe andererseits wird das Fremde ausgeschlossen. Aus der Perspektive einer Ethnologin dokumentiert Boyraz-Höll in einem Videomitschnitt, der in Zeitlupe läuft, das Geschehen. Die Kamera der ortsfremden Künstlerin befindet sich - im Widerspruch zu dem intendierten Ausschlußmechanismus des Rituals - in der Mitte der Tanzenden, die sich kreisförmig um sie herum bewegen. Diese Kreisbewegung, die an sich schon ein “innen” und ein “außen” konstruiert, wird durch die Präsentation des Videos, das ebenfalls kreisförmig projiziert wird, verdoppelt. Der Betrachter findet sich umringt von den Menschen, deren Rituale und Traditionen er nicht kennt, in einer klaustrophobischen Situation, die durch den Sound, der die Stampfgeräusche hervorhebt, nochmals gesteigert wird.

Text: Sönke Gau (Camera Austria 75/2001)

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Using the traditional folk dance „Schuhplatteln“ in a small village in Upper Austria, Songül Boyraz investigates rites which are used to confirm collective feelings of solidarity although at the same time they generate a mechanism of exclusion. A sense of belonging to a native place is used to oscillate in a dialectical field of tension. On the one hand she shows a sense of belonging to a group, on the other hand she makes clear that anything foreign will be excluded.

From an ethnologist’s perspective Boyraz demonstrates what happens in a slow motion videorecording. The camera of the foreign artist is situated – as if in contrast to the mechanism of exclusion which the ritual generates – in the midst of the dancers who move around her in a circle. This circular movement, generating in itself an „inside“ and an “outside“, is doubled by the presentation of the video which is also projected in a circular form. The spectator finds himself surrounded by people whose rituals and traditions remain unknown to him, as if in a claustrophobic situation which is even heightened by the sound of the stamping feet of the dancers.

Source: https://www.songuelboyraz.com/schuhplattler/video-installations

Untitled (Judith)

Mon, 18 Aug 2025 16:21:48 +0200

Untitled (Judith) thematisiert den menschlichen Körper und seine visuelle Repräsentation im Raum. Gefühle wie Angst, Klaustrophobie, Sprachlosigkeit und Instabilität entstehen und spiegeln das Erleben politischer Machtstrukturen wider.

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Untitled (Judith) explores the human body and its visual representation in space. Feelings such as fear, claustrophobia, speechlessness, and instability arise and reflect the experience of political power structures.

Bliss

Fri, 20 Jun 2025 16:08:52 +0200

The video piece Bliss explores minimalist aesthetics through generative means of production. The foundation of the work lies in one-dimensional cellular automata – a mathematically strictly determined universe where each row of pixels derives its appearance by examining the preceding row. However, both the initial state of the system and the rules themselves are arbitrary, providing room for artistic intervention.

Y-Division [ ]]

Fri, 20 Jun 2025 16:02:24 +0200

Musik: Antti Tolvi

Y-Division spielt Wiederholungen eines bestimmten melodischen Motivs in variierenden Geschwindigkeiten. Daraus entsteht eine Komposition, die harmonisch einfach und gleichzeitig rhythmisch komplex ist. Der Rhythmus der Animation folgt dem Takt der Melodie.

Christmas Piece

Fri, 20 Jun 2025 15:56:02 +0200

Das Video zeigt einen Baum, der sich angetrieben von einem Verbrennungsmotor um die eigene Achse dreht. Die Drehung wird immer schneller, bis der Motor zu rauchen beginnt. Zwei Männer versuchen, in die Handlung einzugreifen, doch der Baum scheint zu fliegen.

Footnote #03: Gold & Clouds

Fri, 20 Jun 2025 15:49:39 +0200

Die Arbeit reflektiert in meditativer Weise über das Objekt "Flugzeug". Anfangs stand das Flugzeug als Symbol für technischen Fortschritt und verkörperte die neuesten Entwicklungsstufen militärischer Technologie. Später wurde es zum Inbegriff des Jetset-Lifestyles, danach zum Instrument terroristischer Aktivitäten und schließlich zum Sinnbild für die Ausbeutung fossiler Energieträger.

Footnote #01: Sipilänmäki

Fri, 20 Jun 2025 15:32:36 +0200

Musik: Antti Tolvi

Das Video zeigt eine Ansammlung von hell erleuchteten Gewächshäusern, umhüllt von Dunkelheit. Die Filmbilder scheinen stillzustehen, nur gelegentlich sorgt ein Luftzug für Bewegung in der Vegetation.

Zähler

Fri, 09 May 2025 12:44:25 +0200

Kartoffeln werden nach einem bestimmten System auf eine Holzfäche gelegt und angeordnet. Bei einem Teil der Kartoffeln ist die Schale lose und wird vom Tisch geschnipst. Bei jeder zehnten Kartoffel fällt ein Kieselstein begleitet von einem entsprechenden Geräusch (Platsch) ins Wasser und taucht kurz darauf lautlos dupliziert in dem weißen Gefäß auf.

Vektor

Fri, 09 May 2025 12:32:13 +0200

Ein Klumpen Knetmasse liegt am linken Ende einer Holzlatte. Ein schwarzer Arm, dessen Hand die Knetmasse umschließt, liegt ebenfalls auf der Holzlatte auf. Die Knetmasse in die Länge knetend bewegt sich der Arm nach rechts entlang der Holzlatte bis er den Bildausschnitt verläßt.

Lunte

Fri, 09 May 2025 12:20:27 +0200

Für die Aufrechterhaltung eines konsistenten Weltbildes ist die Annahme kontinuierlicher Ursache-Wirkungsketten eine entscheidende Vorraussetzung. Die Arbeit Lunte bezieht eine skeptische Position gegenüber Erzählung und Konstruktion von Geschichten und Geschichte und stellt deren Realitätsgehalt in Frage. Kleine flimmernde Partikel schwirren hektisch umher, teilen und vermehren sich und verschwinden wieder. Sie setzen den Verlauf und die vielfältigen Ver-zweigungen einzelner wandernder Brandherde einer ungeordnet liegenden Zündschnur ins Bild. Bedingt durch die starke Rauchentwicklung sind die Brandherde allerdings teilweise nicht sichtbar, so dass ihr Verlauf rekonstruiert werden mußte. Dieser Versuch der Wiederherstellung ist notgedrungen spekulativer wenn nicht fiktiver Natur: Der einzige Hinweis, die ursprüngliche Lage der Zündschnur, ist nicht stabil, sondern verändert sich im Verlauf des Abbrennens durch die Rückstossenergie der Brandherde.